1. Не спешить с включением камеры, не будучи уверенным в достаточной освещенности объекта и возможности качественного приема звука.

2. Помнить о наличии штатива и выносного микрофона. Съемку с рук и использование встроенного микрофона оправдывает лишь оперативный или иной, обусловленный замыслом, характер съемки.

3. Панорамные кадры обязаны иметь достаточной длины статику в начале и в конце кадра каждого плана.

4. Проходы героев желательно заканчивать их выходом из кадра, что облегчает построение монтажной фразы. Это касается любых движущихся объектов: животных, автомобилей и прочее.

5. Движущийся в кадре человек должен иметь законченные фразы движения, и вообще кадры с движущимися объектами желательно снимать длинными планами.

6. Пластика панорамного кадра обусловлена темпо-ритмом и настроением, как всего фильма, так и конкретного эпизода.

Характер исполнения панорамы, композиционное ее решение, да и само направление панорамного движения определяется не «характером» оператора, а смысловым и пластическим содержанием эпизода.

При съемке занятых какой-либо деятельностью людей, а также природных ландшафтов и задействованных в них животных панорамы не только позволительно, но желательно исполнять с некоторыми «приостановками», что позволяет лучше разглядеть происходящее и сделать некие акценты. В этом случае механическая «оглядка» явно уступит место осмысленному «обзору».

7. При съемке длинных проходов необходимо делать время от времени хотя бы краткосрочные задержки на тех или иных объектах, деталях, лицах людей, попадающих в кадр.

Это обстоятельство дает режиссеру возможность в последующем монтаже прервать в нужном месте затянувшийся проход, а не отказываться вовсе от этого самого кадра из-за непозволительной длины прохода героя или долгого панорамного движения камеры.

8. Телевизионный кадр диктует максимальное использование «первого плана» не только при съемке масштабных, пространственных и панорамных кадров.

Съемка героев в живой «жизненной» среде при наличии «первого плана» создает некий «эффект наблюдения со стороны», впечатление случайно подсмотренного кадра.

9. Ставка на крупные планы! Она оправдана не только спецификой телевизионного экрана, возможностью всмотреться в суть происходящего в кадре, заглянуть в глаза герою. Все это абсолютно верно.

Но плюс ко всему этому съемка на крупных планах нивелирует всегдашнюю искусственность съемочной среды и поведения героев, условность предназначенной для съемок мизансцены. В частности, когда идет синхронный разговор с большим количеством участников.

На общем плане подобные режиссерские и операторские «построения» видны невооруженным глазом, и вся «творческая кухня», как говорится, налицо.

Кроме прочего, режиссеру гораздо легче монтировать синхроны собеседников, когда те сняты по отдельности, а не соседствуют в одном кадре.

В этом случае не возникает проблем ни с их позами, которые могут не совпадать в «стыкующих» кадрах, ни в самой последовательности разговора. Возникает полная свобода для монтажного маневра.

10. «Операторское искусство» при съемке синхронных диалогов.

Как мне кажется, при съемке синхронных эпизодов, когда задействовано 2, 3 и более беседующих людей, совсем не обязательно держать в кадре только «говорящие головы». В том смысле не менее выразительны бывают и руки, и детали быта, и лица собеседников, да и собственное лицо героя, когда он, замолчав, слушает высказывания своих партнеров.

Слушающий человек бывает порой куда более интересен, нежели говорящий. Ну а зритель, таким образом, получает параллельно звуковую и зрительную информацию более объемно, то есть о 2-х героях одновременно.

Для режиссера же наличие таких вот кадров со слушающими друг друга собеседниками дает возможность в монтаже свободно маневрировать их текстами.

А ежесекундные «броски камеры», когда оператор с собачьей проворностью хватает синхроны каждого из вступающих в беседу людей, уже на третьем или четвертом броске начинает вызывать зрительное раздражение.

Подобная демонстрация «мастерства» заставляет думать об его отсутствии.

1. Add Light If You Can

Even if you’re in a hurry, you can take a few minutes to add more light.

A convenient solution is to use an on camera video light. This is a light you mount to your camera that shines light on the subject. The video light I use is a Micro Pro LED light from Litepanels (highly recommended, by the way).

You have other possible ways to add light too. You can turn on lamps or overhead lights. You can use a reflector panel or a mirror to bounce light into the area that needs more light. Of course, a smart thing is to have a variety of lights that you bring with you. A portable lighting kit is a great investment.

Nothing adds light to a situation like a light.

2. Use the Biggest Aperture Your Video Camera Allows

Sometimes the aperture is called an iris, or f-stop. People use the terms interchangeably.

If your video camera has an f-stop setting, use the lowest number you can. An f-stop of 2 is good. An f-stop of 1.4 is better. The lower the f-stop number, the bigger the aperture. This wide open aperture lets more light into your camera, so you get a brighter image.

If you’re using a video camera that has a zoom lens, be aware that they frequently don’t have a constant aperture as you zoom. As you telephoto (zoom in), many times the aperture will shrink and reduce the light that enters your camera, darkening your image.

The solution is to keep the zoom lens at a wide angle so your aperture can stay wide open. If you need to get closer to your subject, try “zooming with your feet” and walk closer to the subject.

3. Slow Down Your Shutter Speed to Brighten Your Footage

Many video cameras allow you to control the shutter speed. You can use this feature to slow down the shutter speed, meaning that the shutter is “open” longer, which allows more light into the camera.

Normally when I’m shooting video, I use a shutter speed of 1/60th of a second. However, if I’m shooting video in low light, I might change the shutter speed to 1/30th of a second. This means the shutter is open twice as long, which doubles the amount of light that gets into the video camera. This makes a big impact on the brightness of the video image.

The potential downside of reducing the shutter speed is that you get more motion blur. That can be a legitimate problem, but I find that using a shutter speed of 1/30th of a second works okay for normal human motion.

4. Reduce the Frame Rate in Your Video Camera to Let More Light In

Not all video cameras can do this, but now that many are tapeless, they allow you to adjust the frame rate of your video. In fact, many video cameras try to emulate the look of film by including an option to shoot at 24 frames per second.

In a low light situation, you can change your frame rate to 24 frames per second, instead of using the common rate of 30 frames per second. If you turn off the shutter (or adjust it accordingly), this allows you to capture the frame for 1/24th of a second instead of 1/30th of a second. The slower speed allows more light into the camera, brightening your image. It’s a small increase, but it’s still an increase in light.

If your video camera allows you to adjust the frame rate even lower, you might consider shooting at 12 frames per second, or even 6 frames per second, leaving the shutter off. This wouldn’t work if you’re shooting a talking head or normal human motion, but if you’re shooting video of a landscape, a cityscape, or something that stays fairly still (building, statue, tree), you might want to consider a low frame rate with a slow shutter speed. This will significantly brighten your image.

5. Increase Your Video Camera Gain

Sometimes the video camera gain is called “sensitivity” or “ISO”. It depends on the manufacturer and model.

Only do this as a last resort. Increasing the gain has a bad effect on your image. It adds noise — little dancing flecks (frequently magenta, sometimes blue) in the shadows of your image. This noise is distracting.

Most people think that noise looks bad. You should try to avoid it.

Rule of Thumb: Only increase your video camera gain AFTER you’ve tried the other strategies, because this method does the most damage to your image.

And when you do increase it, try making small adjustments first.

6. Reduce the Video Noise in Post with Filters and Plugins

If you end up increasing your gain, then you’ll likely have unwanted video noise in your footage.

You might be able to repair the footage a little (sometimes a lot) using a filter or a plugin. You can purchase a noise reduction plugin for common editing software like Final Cut Pro or Adobe Premier Pro. When you run this plugin on your footage, you’ll likely see some improvements.

That said, the results won’t be as good as if you had captured noise-free video footage originally.

7. Use a Digital SLR Camera to Shoot Video in Low Light

Currently, a digital SLR camera is a great option for shooting video in low light. In fact, I think they’re amazing in low light. Why do they perform so well?

•You can use different lenses with wide open apertures.
•You can control the shutter speed.
•You can control the frame rate.
•You can increase the sensitivity a lot more without adding as much noise as regular video cameras.
The enormous chip inside of digital SLR cameras like the Canon 5D Mark II means that the camera can capture more light for each frame. The big chip allows you to increase the gain with lower video noise.

As of right now, this camera is one of the best tools for shooting video in low light.

You might not be able to use all of these strategies every time you shoot video in low light, but give them a try, and I think you’ll be happy with the improvements.

Не зависимо о того, кто Вы – простой, рядовой любитель или профессиональный видеограф (как любят себя называть видео операторы), Вас обязательно будет волновать вопрос – как получить качественный видеоматериал при съемке в условиях плохой освещенности.

Да, да, дорогой читатель, сегодня, требования к качеству видеоматериала заметно возросло. Если еще совсем недавно мы довольствовались VHC кассетами (порой с довольно потрепанными и затертыми записями) с местного проката и в упор не замечали шумов и полос. А уж если это была кассета с собственным изображением (смотрите, это я на шашлыках) или изображение родных и близких, то качество изображения было вообще идеальным. Video CD диск, качество которого было не намного лучшим чем качество VHC кассеты, считался очень крутой штукой и пользовались им достаточно продвинутые видеолюбители.

В данный момент, с появлением видеокамер, снимающих в формате сверхчеткого видео, и широкоформатных жидкокристаллических панелей, нас перестало удовлетворять даже качество DVD, некогда казавшееся заоблочным.

Но великая сермяжная правда, как говаривал Васисуалий Лоханкин (Ильф и Петров «Золотой теленок»), в том, что сегодня, как и во времена VHS и DV, видеокамеры плохо снимают в условиях плохой освещенности. Нет, некоторые модели снимают лучше, некоторые хуже, но идеально не снимает ни одна камера. И не надо думать, что чем дороже и профессиональнее камера, тем лучше она будет снимать при недостатке света. Тот кто бывал на съемочных площадках, на которых снимают фильм сериал или музыкальный клип, знает, как много используется осветительных приборов. И это при использовании дорогих и полноформатных камер. Что уже говорить об обычных любительских видеокамерах.

А ведь основной массе видеолюбителей, снимать в полутемных комнатах (или помещениях) приходится гораздо чаще, чем на улице. И стоит заметить, что сия чаша не обходит и тех, кто занимается видеосъемкой профессионально. Например свадебная съемка это на процентов семьдесят – восемьдесят репортаж, а не постановочная съемка. Ну а, учитывая обилие темных подъездов, полутемных комнат и разноцветных кафе и ресторанов с плохим светом, можно констатировать что никто не даст гарантии, что Ваш видеоматериал не будет обильно дополнен различными шумами.

Отсюда вопрос, который мне задают довольно часто – как улучшить качество видео. Понятно что речь идет уже о пост обработке отснятого видео, а значит улучшать качество видео придется при помощи плагина в каком-нибудь видеоредакторе.

Советую обратить Ваше внимание на плагин Neat Video. Neat Video это плагин для подавления шумов видеоизображения.

У данного плагина есть несколько несомненных достоинств, отличающего его от других. Ну во первых, производители позаботились о том, чтоб плагин Neat Video можно было использовать в различных редакторах видео и список это достаточно широк. На официальном сайте:

www.neatvideo.com

представлен следующий список поддерживаемых программ:

• Premiere Pro (Win and Mac; 32-bit and 64-bit), Premiere Elements (Win)
• After Effects (Win and Mac; 32-bit and 64-bit)
• Final Cut Pro, Final Cut Express, Motion (Mac)
• OpenFX-compatible hosts: Nuke, Fusion (Win and Mac)
• Vegas Pro (32-bit and 64-bit), Sony Vegas Movie Studio
• Pinnacle Studio
• VirtualDub (can also be used in AviSynth scripts and in Avid Liquid 7)

Во вторых, плагин достаточно прост в освоении, имеет достаточное, но нечерезмерное количество настроек (кстати плагин работает и в автоматическом режиме) и простой интерфейс. Все это, позволяет применять плагин не только продвинутым пользователям, но и тем кто начал заниматься видеомонтажом недавно.

В третьих, плагин работает как с DV, так и с HDV видео.

Ну и наконец четвертое – плагин действительно позволяет визуально улучшить видео, убрать лишний шум без заметного ухудшения резкости картинки.

I don’t know who was responsible for the bad videography decisions — the videographer or the client — but two weekends ago I watched my daughter compete in a dance contest where the videographer made several mistakes.

My goal isn’t to hurt anyone’s feelings, so of course I won’t name the company doing the videography. But I think we can learn from others’ mistakes, so let’s explore them and see what you and I might do differently.

Their first mistake was the biggest one:

Mistake #1: They Didn’t Use Enough Video Cameras to Cover the Event

They only used one camera.

Anyone who has ever tried to shoot video of a dance performance with one camera knows the dilemma here.

On the one hand, you want to capture the dance team’s formations. Formations are a big part of the overall art form, and it’s impossible to see formations if you’re zoomed in on one person. You need to use a wide shot to get the visual impact of the formations.

But as a parent, I don’t want to purchase a DVD of only the dance team’s formations. No, I want to see the face of my daughter too. I want to see her individual performance within the greater performance. And you can’t see her face, or any of the faces, within the wide shot.

So we need medium shots and close-ups too.

And that leads us to mistake #2, which is caused by the first mistake.

Mistake #2: Abruptly and Constantly Zooming In and Out

I realize that I’m a video shooter, so I’m more sensitive to constant zooming than what most people are.

The videographer only had one camera, so they really didn’t have a choice. They would be wide on the action for a moment, then someone would dance out to the center to do a solo, so the camera would quickly (too quickly and abruptly) zoom in and try to follow the solo performance.

Then the soloist would join the bigger group’s formation, and the camera would zoom out, but by then the formation was breaking into two parts, so the camera would try to go wider to capture it, and then a different soloist would break away, and the camera would zoom in…

Are you getting a feel for the camera chaos? It wasn’t like the camera person had a chance to practice timing their moves with the choreography. This was probably their first time seeing the performance. This meant the videographer was constantly behind the action, trying their hardest to catch up to what was happening now.

The constant zooming led to the next mistake:

Mistake #3: Too Many Miniature Pans and Tilts to Recompose the Frame

After each zoom the frame wouldn’t be just right, so the videographer would do a quick small pan to the left or right, or a slight tilt up or down, to get a nice composition. All of these little adjustments were visible, distracting, and frustrating.

All the camera movement added up to too much visual chaos: panning, tilting, zooming in, zooming out, always behind the action.

The Solution

Use the proper number of cameras.

This dance performance would require at least two cameras to cover it: One for the wide shot (locked down to cover the entire performance area), and one medium shot (to capture individual performances within each of the numbers).

It would be better to have three or four cameras.

One camera would be wide to cover the entire stage. Another camera would be semi-wide to cover smaller clustered formations. Another camera would be medium to capture individual performances. And finally another one would be close to capture the dancers’ faces as they perform.

My daughter is 11, and I’d love to have a DVD of her dance performance where I sometimes get to see her face as she performs. It would have been so much better if they used four cameras!

Of course, this would be much more expensive. It’s expensive to have four cameras. The cameras themselves are pricey, but then you also need a separate operator for each camera. And they’d need another person operating the video switcher for the live video feed that was projected on either side of the stage.

This is why I suspect the single-camera decision might have been the client’s fault. It’s possible that they chose to save money and go with only one camera.

If that’s the case, it’s unfortunate because it really hurt the final product.

Should the videographer have insisted on more than one camera? Maybe. I think they probably should have.

If I was in construction, I would be frustrated if someone asked me to build a house by myself without being allowed to hire other workers. I might refuse to do the job because it wouldn’t be done right.

By the way, I had a video camera with me but I wasn’t allowed to use it as an audience member. That’s okay because I would’ve had the same issues. I only had one camera, and I was the only operator, so I would’ve been zooming, panning, and tilting the same way the videographer was. I couldn’t have done any better by myself. In fact, it would’ve been worse because I only had a monopod, no fluid head tripod, and the camera was a consumer level video camera: Canon HF-S200.

But because video cameras were strictly prohibited, I was able to watch the videographer and think of how I might do things differently if I were the one shooting.

Of course, when my daughter was dancing, I watched her, and the videographer was the last thing on my mind.

Три камеры покрывают 95% полноценного кино.
Две камеры - 80%.
Одна камера - 50%, т.е. и да и нет, и вроде кино, и вроде не кино, фифти/фифти.

Но явно можно заметить, что использование даже двух камер уже существенно повысят уровень профессиональности конечного видеопродукта.

А самому при этом осуществлять подвижную многоракурсную съёмку второй камерой. При монтаже самые интересные моменты вставлять те, что были сняты на подвижную камеру, а перебивки выкладывать с первой камеры.

Единственное, что следует учесть это попадание оператора в зону съёмки первой камеры, что крайне нежелательно. Поэтому при установке первой камеры следует либо всё расчитать так, чтобы вы сами не попадали ей в кадр либо вам самим определить для себя "мертвые зоны" первой камеры, по которым вам можно перемещаться.